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  • 杉本博司

    杉本博司,1948年出生于日本东京。1970年毕业于东京日本立教大学经济系,1972年毕业于美国旧金山艺术中心设计学院,1974年赴美国纽约进行摄影创作。 日本当代摄影名家辈出,但杉本博司的作品尤其独树一帜。这位今年61岁的摄影师将镜头对准自然历史博物馆、老式影剧院以及世界各地广阔无垠的大海,呈现出一幅幅冷静凌厉的作品,黑白的影像世界于宁静无声处震撼人心。他的作品横扫国际各大拍卖会,创下的亚洲当代摄影拍卖纪录至今尚无人能超越。英国《泰晤士报》公布20世纪200位最伟大艺术家排行榜中,他是日本4位上榜艺术家中唯一在世的摄影家。记者采访了日本艺术研究专家中国人民大学艺术学院副教授潘力,听他讲述杉本博司独具风格的艺术魅力。

    编辑摘要

    基本信息 编辑信息模块

    中文名: 杉本博司 籍贯: 东京
    国籍: 日本 职业: 艺术 摄影家
    毕业院校: 东京日本立教大学经济系 代表作品: 《海景,Seascapes》,《剧院,Theaters》,《建筑,Architecture》,《画像,Portraits》,

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    简介/杉本博司 编辑

    杉本博司本博

    杉本博司,1948年出生于日本东京。[1]1970年毕业于东京日本立教大学经济系,1972年毕业于美国旧金山艺术中心设计学院,1974年赴美国纽约进行摄影创作。[2]

     

    资料/杉本博司 编辑

    《纽约剧场》 1978《纽约剧场》 1978

    作品横扫国际各大拍卖会,是亚洲当代摄影拍卖纪录保持者

    “时间”是他作品中永恒的主题

    作品被U2乐队选做封面

    日本当代摄影名家辈出,但杉本博司的作品尤其独树一帜。这位今年61岁的摄影师将镜头对准自然历史博物馆、老式影剧院以及世界各地广阔无垠的大海,呈现出一幅幅冷静凌厉的作品,黑白的影像世界于宁静无声处震撼人心。他的作品横扫国际各大拍卖会,创下的亚洲当代摄影拍卖纪录至今尚无人能超越。英国《泰晤士报》公布20世纪200位最伟大艺术家排行榜中,他是日本4位上榜艺术家中唯一在世的摄影家。记者采访了日本艺术研究专家中国人民大学艺术学院副教授潘力,听他讲述杉本博司独具风格的艺术魅力。

    三个名系列内在联系是“时间”

    杉本博司至今为止最著名的摄影作品是三个从上世纪70年代开始拍摄、并持续至今的系列,《纽约自然博物馆系列》、《剧院系列》以及近年来他最为人所熟知的《海景系列》。三个系列看似毫无关系,其实却有着内在的关联。近日,在接受潘力教授电话采访时杉本博司表示“三个系列的内在联系就是‘时间’,这就是我要表达的概念,也是我全部作品的基本构思。”

    “‘自然博物馆系列’是过去的时间,‘剧院系列’是片断的时间,‘海景系列’是永恒的时间。”杉本博司对潘力教授说。除此,杉本博司还在世界各地拍摄几乎可以以假乱真的《蜡像馆系列》,古巴领袖卡斯特罗、英国已故王妃戴安娜、巴勒斯坦前领导人阿拉法特等,看似真人,实则都是各地蜡像馆里的塑像。

    《剧院系列》:让人仿佛看到“上帝”

    从1970年代后期开始,杉本博司遍寻美国各地遗留的20世纪初期的老式影剧院,在放映电影时,他始终保持相机快门的开启状态,对着银幕拍摄,这种长达两小时曝光时间的拍摄方式使老剧院的屏幕成为一块纯粹的白色发光体,而屏幕周围影院静止不动的细节则得以丝缕毕现地留存在影像中。“杉本博司通过银幕这一载体将时间的流逝形象化了,他将这称为‘被曝光的时间’。画面中耀眼的白光产生出一种神话般的辉映,老式影剧院内部的各种豪华装饰在它的映照下,如同凄美的废墟一般具有历史感。”潘力分析道。杉本博司在一次受访时提到,在一回展览开幕时,一个女孩竟在他的《剧院系列》作品前吟唱起圣歌,那女孩跟他说在作品中,那一无所有、泛着一片亮光的电影屏幕中,她仿佛看见了上帝。

    自然博物馆系列:影像足以以假乱真

    最初使杉本博司在国际艺术界为人所知的就是他从1970年代中期开始拍摄的《纽约自然博物馆系列》,他使用大型相机,镜头追求的远不是这些动物模型的简单再现,而是致力于对摄影语言的开掘。在他的镜头下,这些静止的动物模型不可思议地呈现出生息状态,混沌未开的苍茫原野在他的镜头里传达出震撼人心的力量,影像悠远而意味深长。足以以假乱真,于是这些影像看起来如此迫近又令人感觉非常不安。

    而令杉本博司最为人所知的还是他从1980年代开始拍摄的《海景系列》。他的足迹遍布世界各地,镜头对准大海,并一反构图规则将天空和大海的交界线置于画面中央,除了海天没有任何其他多余景物,画面简练到极点。然而,在数十张同样构图的影像中,杉本博司着力表现空气的密度、波纹的形状、水色的浓淡、光的作用等极细微的变化,使看似雷同的作品产生出一种超越时间干扰的永恒力量。杉本博司曾经自问:“现代人是否可能看到和百年前的祖先所见的相同景象?”而如果可能,“他所看到的会是什么?”于是他想到了大海。早在人们存在之前,水与空气就已经存在于大海之中,杉本博司想象自己变成他的祖先,在第一次面对大海时,为大海命名的心情,《海景系列》自此而生。

    《海景系列》卖得最贵

    尽管处事有着日本人一贯的谨慎和低调,杉本博司却是各大国际拍卖行最为青睐的摄影红人。从1974年初涉摄影至今,他的作品价位一路走高,在各大国际拍卖行在纽约、伦敦的夜拍中,他是唯一作品被纳入其中的日本摄影师。在前年5月16日纽约佳士得“战后与当代艺术”夜拍里,他的作品《黑海,欧罗吕塞/黄海,济州岛/红海,撒法加》三联作拍出188.8万美元,所创下的亚洲当代摄影最高价纪录至今尚无人能超越。

    尽管杉本博司的《海景系列》作品看起来像毫无任何技术性可言,像极一般风景快照,但却是他所有创作中,最为费时且困难度最高的作品,也是他的所有系列作品中,卖得最贵的一个系列。在公开拍卖纪录中,《海景系列》即占了十大高价中的七位。

    杉本博司的作品也受到很多其他领域艺术家的青睐。叱咤摇滚乐坛30年的爱尔兰乐队U2今年推出的最新大碟《No Line on the Horizon》,就将杉本博司《海景系列》作品之一“博登海”选做唱片的封面。此前2006年,实验电子音乐家Richard Chartier和Taylor Deupree推出的专辑也选取了这张照片作为封面。

    最喜欢南宋画家马远的作品

    潘力教授曾留学日本,从上世纪90年代至今,他一直关注和研究日本美术的历史和动态。在他看来,杉本博司的作品非常细腻、精致,既有现代的表达,又深刻体现着日本传统文化的审美底蕴。这也是中国当代艺术家值得借鉴的。

    在接受潘力采访时,杉本博司表示东方文化传统的确对他的创作有着深刻的影响。“我很喜欢中国的宋代山水画,特别是南宋画家马远的作品。尽管已经是很久以前的事情了,但你也许还可以在我今天的作品中看到他的影响。宋代有北宋与南宋之分,北宋的山水画比较厚重、大气,和后来的泼墨山水有些接近。南宋的山水画比较单纯,几乎是单色的,对局部风景的细致描写,但表达出来的意境却更加深远。当然,由于长年在海外工作和生活,我现在的作品也融汇了西方的审美意识。可以说是东西方文化的结合。”此外,杉本博司的作品几乎全部是单纯的黑白色调,说到这个问题时,杉本博司以水墨画的墨色为例表示黑白摄影毋庸置疑要比彩色摄影表现力大得多。虽然对中国古代绘画非常熟悉,但至今杉本博司去过台湾和香港,尚未来过内地。他拍过世界上很多地方的海,也知道中国有很长的海岸线,“我非常希望能去拍中国的大海。”他说。

    高价拍品/杉本博司 编辑

    #9《最后的晚餐,5/5》、#10《最后的晚餐,3/5》

    从1974年拿起相机认真思考什么是「摄影」这回事之后,杉本博司创作了许多令人惊艳的作品,每每挑起观者心底深处的感动,常有人在其作品前感受到一股宗教与「生」的力量。他曾在受访时提到,在一回展览开幕时,一个女孩竟在他的「剧院」(Theaters)作品前吟唱起圣歌,那女孩跟他说:「在作品中,那一无所有、泛着一片亮光的电影屏幕中,她彷佛看见了上帝。」杉本博司说,他从未预想观者会有这样的反应,但这至今仍令他印象深刻。另一方面,从艺术市场上来说,他是各大国际拍卖行在纽约、伦敦的夜拍中,唯一作品被纳入其中的日本摄影师,而在去年5月16日纽约佳士得「战后与当代艺术」夜拍里,其《黑海,欧罗吕塞/黄海,济州岛/红海,撒法加》(Black Sea, Ozuluce/Yellow Sea, Cheju/Red Sea, Safaga)三联作拍出188.8万美元(约新台币5,700万元)所创下的亚洲当代摄影最高价纪录至今尚无人能超越,到底他的作品魅力何在?以下就其十大高价作品一一介绍。

    #1《黑海,欧罗吕塞/黄海,济州岛/红海,撒法加》、#2《黑海,欧罗吕塞》、#3《英吉利海峡,威斯顿崖》#4《爱琴海,碧里昂》、#5《北太平洋,小黑崎》、#7《第勒尼安海,昆卡》、#8《红海,撒法加》

    虽然杉本博司创作至今发展了13个不同主题的系列作品,然而在公开拍卖纪录中,「海景」系列即占了十大高价中的七位(参见表格)。而在这上榜的七件海景作品中,可见几个有趣的共通性:第一,不管在白日或夜晚间的海景,海洋与天空在构图上各占画面等比的上下两半,中间由一道近乎平直的海平线所分隔开。杉本博司试图将画面中的元素简化至最低限,要让人静下心来,张开身体感官去观看、感受这个「被相机凝固下的时间、场景」(注1)。此外,画面中的天空几乎没有云朵、海面更平静得不可思议,惊涛骇浪似乎是他刻意避开的选项,不论是在黑海、红海或爱琴海,我们看不见汹涌的大浪、戏剧性的风雨、海啸,有的只是层层由远推进的绵密浪花,如《第勒尼安海,昆卡》(Tyrrhenian Sea, Conca)、《黑海,欧罗吕塞》,更多时候,常是平静无涛的大海,如《黄海,济州岛》、《英吉利海峡,威斯顿崖》(English Channel, Weston Cliff)。它们几乎带给观者一种永恒的感受,或许杉本博司正像是卡尔维诺(Italo Calvino)笔下的帕洛玛先生,站在岸边「阅读一个海浪」,以及观察太阳光、月光对画面上的光线有何影响。第二,作品命名方法多由海洋名称加注确切的地名而成,如《爱琴海,碧里昂》(Aegean
    Sea, Pilion)、或《红海,撒法加》,杉本博司对此有一种特殊的坚持(即使观者可能很难从影像中辨识地点,又或者这些海景其实很相似,对外人来说或许大同小异),像是探险家在初至一个地点时,谨慎为其所做的纪录与命名。

    杉本博司表示,他曾经自问:「现代人是否可能看到和百年前的祖先所见的相同景象?」而如果可以,「他所看到的会是什么?」(注2)于是他想到了大海。在海景中,他所欲处理的对象物是水与空气,即便它们如此普通,然而却给予、创造了生命的存在。他认为生命的起源充满神话:生命需要水与空气才能延续下去,而在宇宙中,在地球这个星球上就这么恰好地有空气和水,这就像是一个「神话中的神话」,早在人们存在之前,水与空气就已经存在于大海之中;每当他看着海,他总感到一股沉静的安全感,就像是回到他前世的老家般,踏入一个观看的神秘旅程;杉本博司想象自己变成他的祖先,在第一次面对大海时,为大海命名的心情以及「他所看到的会是一个什么样的景况?」——海景系列创作自此而生。

    尽管当代科技如此先进,杉本博司并不使用数字相机或计算机修图,在摄影时他总是带着他的大型木制蛇腹相机(阖起时像一个手提箱)以及8x10英寸的黑白底片,坚持运用自然光、或用遮光法(dodging)来减少或加强影像曝光的长度,从不以人工方式打光。他曾指出,虽然「海景」系列作品看起来像毫无任何技术性的窍门,似一般风景快照,但却是他所有创作中,最为费时且困难度最高的作品。想象一下,你如何用摄影记录并呈现「空气」?如何捕捉一条平整且近乎锐利的海平线?你将发现其中的困难度。

    #6《亨利八世/阿拉贡的凯瑟琳/安妮.博林/珍.西摩/克里维斯的安妮/凯瑟琳.霍华/凯瑟琳.帕尔》七联作

    1974年,当杉本博司初至纽约时,作为一个对于异国城市还不熟悉的新鲜人,他去拜访了许多观光胜地,当中包括了「美国自然史博物馆」(American Museum of National History)。该馆以收集各大洲的哺乳动物标本以及人类学馆藏著名,馆内设置的一个个玻璃橱窗中,展示并还原各种动物生存的场景与自然生态,以及人类从猿人演化的过程。杉本博司说,当他看到这些橱窗内的场景时,他觉得自己像嗑了药般地兴奋,眼见这些在生理上已经死去的生物在玻璃后面「复活」,他真切地觉得这些生物都「仍然活着」!(注3)因此从1975至1999年,他陆续在自然史博物馆中,拍摄「透视画馆」(Dioramas)系列作品。他思索着「虚假的(动物标本)、死去的如何能成为真实的、活的?」以及是否「无论主题有多虚假,一旦被相机拍下来,就会变得跟真的一样?」这种近乎纪录的本质性问题。直到1999年时,杉本博司着手拍摄另一系列「肖像」作品,这些问题依然是他所探讨的核心内容,而这件名列十大高价作品第六的皇室肖像七联作,即为后者的代表作。

    这组作品里头的主角是英王亨利八世(Henry VIII),与其分别在人生不同阶段中的六位妻子(C. of Aragon, A. Boleyn, J. Seymour, A. of Cleves, C. Howard, C. parr),初视时,常让人下意识地想去检视创作的年代,并有「这是真人,或是扮装?」、「是摄影,还是绘画?」的疑惑,然而,作品中被摄者比例过大的手(在《珍.西摩》(J.
    Seymour)与《凯瑟琳.霍华徳》(C. Howard)上尤其明显)隐约地透露出一点端倪。再进一步探究答案时,便可知这些人物竟全是「杜莎夫人蜡像馆」(Madame Tussands Wax Museum)中一尊尊的蜡像!杉本博司以摄影替代绘画,透过镜头的取景,以及自己对文艺复兴时期艺术家在光在线的处理与安排的研究,重新拍摄了这些皇室人物,并刻意地呈现宛如16世纪宫廷人物肖像画的景象,例如单色的背景、戏剧化的光线洒在人物脸部与繁复精美的服饰上头,人物占据画面正中央极大的比例;又特别是女人总以侧脸示人的姿态,她们的眼神跟观者并无交集,是「被凝视的对象」。这些小细节与特质都被杉本博司一一掌握,其创作带给人些许吊诡的感受,使人再度思索真假、摄影与绘画之间的关系。

    #9《最后的晚餐,5/5》、#10《最后的晚餐,3/5》

    佳士得(Christie's)拍卖公司的拥有者,同时也名列全球十大收藏家之一的皮诺(François Pinault),也是杉本博司作品的收藏者,在他去年10月至今年1月初于巴黎举办的「皮诺基金会收藏展」(François
    Pinault Foundation Collection)中,这件由五张同尺寸相纸拼接而成的《最后的晚餐》(The
    last supper),就是展品之一!

    杉本博司的作品普遍来说多有五个版数,名列十大第九与第十的《最后的晚餐》即分别为同一影像作品的第五版与第三版。此作完成于1999年,与上述肖像作品概念类似,只是拍摄的对象物转换到日本的一间小蜡像馆内,一件参考了15世纪达文西(Leonardo da Vinci)的《最后的晚餐》中,耶稣与其12门徒的形象之后,所制作的群组蜡像。而杉本博司则提出自我的重新诠释:他把群像切分成五组人物,根据不同角度与视点拍摄后,再拼组合一,看似一体,然而图像人物彼此间有种断裂、不协调感(因为这不是根据单一透视点、同一时间来拍摄的作品)。主角们呈现些许不自然的非相关感,而他们出现在全黑的背景之前,配合桌上过分清晰、高对比反差的食物、酒杯,整体传递一种幽冥的超现实感与人物的疏离感,以及摄影中时间、视角的重迭特质。

    注1:
    杉本博司曾说摄影对他而言,其作用是将时间化石化(fossilize)、凝结保存起来。[3]

    作品/杉本博司 编辑

    Dioramas 透视画

    在1974年,我第一次来到纽约的时候,我就像个旅客一样旅游。最终我也参观了自然博物馆,在那里我有了一个奇特的发现:那些被塞满的硬生生的被摆放在背景画前的动物看起来是那么的假,但是如果你快速的闭上一只眼睛一瞥它们,所有的透视就瓦解了,它们突然会变得生动无比。我找到了如相机一样来观看这个世界的方式。无论这些东西如何的假,一旦被拍摄,它就无比逼真了。

    杉本博司作品杉本博司作品
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    Theaters 剧院

    我的惯性是自我对话。在那段拍摄自然博物馆的期间,有一天傍晚我的脑海中突然出现了一个近乎幻觉的景象。在经过一段自我的答辩后,这个幻觉所整理出来的问题是:是不是可以用一张照片拍下一部电影?答案是:你得到的会是一个白花花的银幕。我马上开始了行动,想要试验这个幻觉。

    穿上游客的衣装,我手提一架巨大无比的相机走进东村一家非常廉价的电影院。在电影开始时,我便把光圈调到最大,在两小时电影结束后,我关上光圈结束拍摄。那个傍晚,我冲洗了胶卷,而这个幻影让我大开眼界。

    杉本博司作品杉本博司作品


     

     

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    Seascapes 海景


     水和空气。这两种物质是那么的平凡,它们不容易被察觉 - 然而却赐予了我们的存在。生命的起源被隐藏在神话中:就如水和空气。生命的现象自然在光的到场下在水和空气中产生,尽管这个巧合的解释犹如神性般的简单。我们假设在太阳系中有一个拥有水和空气的行星,而它和太阳的距离让它的温度适当的孕育出生命。我们很难不去相信在浩瀚的宇宙中因该至少存在那样的一个行星,我们徒然的寻找这个相同的例子。神秘事物的神秘,水和空气在我们之前存在于海里。每一次当我面对大海时我都感到无比的安宁,就像回到了我原始的故乡,我踏上了视觉的旅程。

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    Chamber of Horrors 恐怖之屋

    古人很明显的比今天的我们更加的恐惧于死亡。对他们来说被选中成为神明的祭祀品而牺牲是崇高的,是离开这个痛苦世界的一种解脱方式。1994年,我前往伦敦,参观了Madame Tussaud's Wax 博物馆,亲眼目睹了处决路易斯16世和马丽.安托瓦内特的断头台还有当年处决LINDBERG baby 绑架案的绑匪的电椅,所有的展示品都非常真实。为了证实这些由文明人所发明的谋杀武器,我利用了必要的见证摄影:古人是如此把死亡当作一种朝向的。

    多年以后,当我再次参观这个地方时,恐怖之屋这个展览已经被撤了。当我问为什么时,我被告知展览被撤退的原因有关一些政治的正确性。我们这些现代人有必要那么受庇护于死亡之外吗?

    杉本博司作品杉本博司作品



     

     

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    Architecture 建筑

    20世纪初的现代主义改变了我们的生活,通过无法叙述的装饰解放了人类的灵魂。不再需要追寻神明,所有贵族化的风头主义卖弄精神都瓦解无疑。最后我们通过利用超出我们能力的机械帮助来达到自由塑造各种物质形体的愿望。

    我决定通过建筑来追寻时代的源头。我把巨大的老式相机的焦距调到两倍,也就是无限远,通过镜头的视野模糊一片,我发现最高的建筑保留下来了,有些溶解其中。就这样我开始了长久的建筑侵蚀试验,完全让这些建筑在过程中溶化。

    杉本博司作品杉本博司作品

     

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    In the Praise of Shadow 影子的赞美

    日本小说家芥川龙之介蔑视现代文明所带来的人造光的“暴力”。我自己也是一位脱离这个时代的人:我觉得与生活在目前“尖端”的当代生活相比,我宁可生活在过去,这让我更加的安逸。

    支配火的能力当然让人类在其它的物种中更显优势。在过去的几百万年,我们用火光照亮了黑暗的夜晚。我决定录下“一支蜡烛的生命”。上一个仲夏夜,我打开了窗户让夜晚的微风缓缓地吹进室内。点亮一支蜡烛,我打开相机的镜头。蜡烛在微风中摇晃了几个小时后就烧完了。享受着黑暗的滋味,我慢慢的关上相机。每支蜡烛的生命在每个夜晚都是不一样的 - 短暂的激情燃烧的夜晚、持久的炽热的夜晚 - 每个都是独特的,但每个都相同的拥有漂亮的遗光
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    Conceptual Forms 概念形式
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    Portraits 肖像

    Portraits 肖像杉本博司作品



     

     

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    杉本博司作品杉本博司作品


     

    评论/杉本博司 编辑

    “我拍摄的是物的历史。在《海景》系列里,我要处理的对象是水和大气。这两样可说是至今为止对人而言变化最少的东西吧。其他世间万物都随岁月的流逝而变化。我的艺术的主题是时间。”
    ----- 杉本博司

    “如果说荒木经惟是个色情摄影家,那么杉本博司就是哲学摄影家”。对我来说,杉本博司(Hiroshi sugimoto)仅仅只是个摄影师,摄影师是不需要任何前缀的。

    时间、记忆、梦想以及历史是杉本博司摄影的主题。他往往在摄影中加入自己的思考。

    从《海景,Seascapes》,《剧院,Theaters》,《建筑,Architecture》,《画像,Portraits》,到《数学的形体:Mathematical Form》,杉本博司形成了自己独特的摄影风格。他的作品非常平静,黯淡的画面,毫无生气,给人一种冷冷的感觉,可是却使无数人驻足于他的作品之前。

    海不再是海,建筑不是建筑,他的摄影更像是一种探寻。

    “我拍摄的是物的历史。在《海景》系列里,我要处理的对象是水和大气。这两样可说是至今为止对人而言变化最少的东西吧。其他世间万物都随岁月的流逝而变化。我的艺术的主题是时间。”

    杉本博司在拍摄《剧院》系列时,跑到一个又一个已经被遗弃的电影院,架起照相机对准银幕,然后放上一部电影。当电影结束时,电影故事因为底片长时间曝光而在胶片上成为一段空白,但黑暗中的电影院里角角落落的细节却因了长时间曝光而被时间镂刻得棱角分明。

    我们未必能够了解摄影师真正在思考什么,可是透过杉本博司的作品一定能够引发我们自己对于世界的思考,而这不正式摄影的目的么?

    “杉本博司是我们这个时代最令人尊重的摄影家之一。他的重要摄影题材都是对艺术、历史、科学与宗教的诠释。他将东方哲学思想与西方文化主旨完美地结合在一起。”
      
    ——这是国际著名的哈斯勃兰德摄影奖对其2001年度的获奖者、日本摄影家杉本博司的评奖评语。

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    参考资料
    [1]^引用日期:2010-02-22
    [2]^引用日期:2010-02-22
    [3]^引用日期:2010-02-22

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